Mis superhéroes son hermanos y enemigos a muerte a la vez. El Hombre Escarabajo, defensor del pueblo mexicano, y La Gallina Ciega, disruptora de la paz como consecuencia de una infancia traumática.
Comparten los mismos poderes ya que eran siameses. Pueden controlar el viento a placer, siendo capaces de crear grandes corrientes y violentos ventarrones que destruyan edificios. Ambos pueden saltar muy alto, mas no volar, y hablar con los insectos para que les ayuden.
Su debilidad radica en el hecho de que como son hermanos y nunca tienen el valor de eliminar al otro por completo, por más que lo tengan a sus pies. Mientras La Gallina Ciega siembra el pánico en la Ciudad de México, El Hombre Escarabajo defiende a la población y aminora los daños. Y a pesar de que uno frustra los deseos del otro, se hieren violentamente y se odian profundamente, nunca logran eliminarse por completo.
A lo largo de mi vida, los cómics han jugado un papel sumamente importante. Ya sea porque poseía todas las figuras de acción de Batman "The animated series", una de mis caricaturas favoritas, o porque esperaba con ansias las entregas mensuales de Spider-Man, Simpson Comics, Spawn, etc.
También coleccionaba todas las tarjetas intercambiables que salían de Marvel y DC. Hoy poseo una colección muy valiosa de cromos de la primera y recuerdo con cariño las famosas Pepsi Cards de la segunda empresa.
Además del evidente consumismo alrededor de los cómics, creo que los superhéroes y los valores morales y éticos que enseñaban sí influyeron en mi personalidad actual. Al fin y al cabo, fueron mis primeras nociones -después del hogar y la escuela- de principios como la libertad, la justicia, el deber, la generosidad... El superhéroe con el que más me identifico es Spider-Man, y en cierta forma me inspiró cuando niño a imitarlo, pues su temple siempre me impresionó.
Mi película favorita de superhéroes hasta el momento es Batman Begins. Aunque considero que el Batman de Tim Burton es excelente, la tendencia oriental y más oscura que toma en la versión del gran Christopher Nolan me parece más adecuada para el hombre murciélago.
Los elementos que me llaman más la atención de Batman Begins son los conflictos internos de Bruce Wayne, sus miedos y dolores, esa sed de venganza que lo lleva a convertirse en el Señor de la Noche. Además, las secuencias de pelea son excelentes, los gadgets (exceptuando el Batimóvil) están increíbles y Christian Bale me hace creer que el personaje dentro de Batman Begins estuvo diseñado total y únicamente a su medida.
Pride of Baghdad es una novela gráfica inspirada por hechos reales. Concretamente, en lo que sucedió cuando un grupo de cuatro leones escaparon del zoológico en pleno bombardeo a Irak. Cuando unos soldados estadounidenses los encontraron, moribundos, tomaron una acción que provocó una profunda reflexión en los artistas Brian K. Vaughan (escritor) y Niko Henrichon (dibujante).
Durante la obra vemos el punto de vista de los animales, cómo perciben al hombre y sus acciones. Esto tiene que ver con lo que me pareció particularmente interesante de Pride of Baghdad. Cómo poco a poco uno se va olvidando de que los protagonistas son animales y descubre que son arquetipos humanos, como buenos personajes de ficción. Ya sean tortugas, antílopes, leones u osos, todos invitan al lector a una reflexión sobre el camino de la humanidad, ya que no la comprenden del todo y lo respetan como a un depredador voraz. Y es que estos animales manejan conceptos aparentemente humanos como la libertad, el abuso, la desconfianza, la piedad...
Más allá de la propuesta temática, quedé impresionado con los dibujos. Ilustraciones detalladísimas y totalmente dinámicas, imágenes desgarradoras e imponentes, cada viñeta dentro de esta novela gráfica me pareció genial. En este caso, los contrastes entre zoológico y naturaleza, civilización muerta y vida salvaje refuerzan la crítica al hombre y dejan una cruda imagen de la guerra y su vileza.
En cuanto a la narrativa, me llamó la atención el hecho de que en este tipo de obra se utilicen recursos tanto cinematográficos como literarios, mismos que enriquecen la historia e impulsan el desarrollo dramático.
En general, considero que el trabajo de Vaughan y Henrichon es impecable. Definitivamente me hizo reflexionar acerca de lo que ha sucedido en los últimos años y el indiscutible papel protagónico del hombre en los desastres actuales.
Enumerar mis diez películas favoritas de todos los tiempos sería un acto suicida, dado que probablemente no he visto una sola de las que deberían de estar. Debido a esto, decidí pensar sólo en películas que vi en el cine desde 1999 y considero son las que más me impactaron y, más allá de eso, comenzaron a cultivar mi criterio cinematográfico.
Otro punto a aclarar es que no considero que alguna de las películas que voy a mencionar sea mejor que otra, y mucho menos podría valorarlas objetivamente y concluir cuál me gusta más. Por ello, el orden en que aparecerá la lista a continuación no significa absolutamente nada.
Volver (2006)¿Cómo no enamorarse de esta entrega de Almodóvar? Todo acerca de esta película parece perfecto: el arte, el guión, los actores, la música... los secretos, los sabores, la superstición, los colores... Sin duda, una de las mejores películas que he visto jamás y una prueba de que el director español es un verdadero genio.
The Matrix (1999)La primera vez que la vi me cautivó la idea de la Matrix y la civilización posmoderna, pero sobre todo me impactaron los efectos especiales. Sin embargo, tras un par de clases de filosofía y unas cuantas pasadas más a este filme, descubrí su riqueza y profundidad y quedé encantado con cómo los hermanos Wachowski lograron sintetizar tantos conceptos en una sola obra de ciencia ficción.
Memento (2000)Lo que más me gusta de esta película es la forma en la que está contada, los giros inesperados y la intriga que esa original narrativa permite. Quizás lo más atrayente de Memento sea que logra poner al espectador en los zapatos del protagonista, partiendo la historia en pedazos y dando pistas a cuentagotas de un misterio indescifrable para quien ha perdido la memoria a corto plazo.
Le fabuleux destin d'Amélie Poulain (2001)Amélie tiene todo para marcar de por vida al cinéfilo: una estética única e irrepetible, personajes inolvidables, una narrativa apasionante y cientos de detalles que deleitan al ojo y al oído una y otra vez. No me canso de verla.
Ray (2004)La interpretación de Jamie Foxx me pareció impresionante, al punto que lo considero uno de los mejores actores de todos los tiempos. Además, pienso que la historia de Ray Charles y su música -ambas importantísimas para la humanidad en general- quedaron perfectamente retratadas.
Donnie Darko (2001)Todo lo que encierra esta película me parece fascinante. La historia es totalmente circular y provoca rendirle culto, exige un trato especial que sin duda se merece por todas las genialidades que contiene.
Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004)Me considero fanático de Michel Gondry por esa imaginación infinita que posee. En el caso de "Eternal Sunshine..." creo que logró aterrizar una serie de ideas aparentemente absurdas en una historia genial. Más allá del atinado uso de los efectos especiales y las actuaciones espectaculares, me impactó profundamente la interpretación de Gondry del qué sucede cuando una persona intenta refugiarse en los recuerdos tal y como los presenta el subconsciente.
Elephant (2003)Otra película que me atrae por su propuesta narrativa es Elephant, de Gus Van Sant. Esas subtramas que se entrelazan de manera aparentemente arbitraria, los largos backshots que sumergen al espectador en el ambiente escolar y el retrato de la juventud estadounidense son elementos que Van Sant supo integrar con maestría a esta cinta.
300 (2006)El grado al que esta película se parece a la novela gráfica da escalofríos, pues resulta en una maravilla visual que inspira al más soso. Escenas como la lluvia de flechas y la visión del Oráculo están perfectamente logradas y se quedan en la cabeza de quien las vea, siendo pruebas de que 300 está muy bien dirigida y hace más que justicia a la novela en la que está inspirada.
Hero (2002)Más allá de las impresionantes secuencias, lo que más me gusta de Héroe es, una vez más, la forma en que está relatada. El asesino y el emperador que debaten sobre lo que realmente sucedió y lo que iba a suceder al tiempo que vemos que cada historia maneja su propia estética es suficiente para querer sumergirse de lleno en la película.
Tras haber pasado catorce años en silencio absoluto en un convento, Reggio se dispuso a crear la trilogía Qatsi acerca de la civilización. En ella, hace una fuerte y profunda crítica con el uso de imágenes profundamente poéticas y música[1] que refleja la sociedad moderna. Irónicamente, el director prescinde del diálogo como parte de su propuesta, pero, afortunadamente, también demuestra que se puede tener un poderoso discurso acerca de la sociedad sin necesidad de hablar.
Los títulos de las películas son Koyaanisqatsi, Powwaqatsi y Naqoyqatsi y provienen del dialecto Hopi. Significan, literalmente, Vida fuera de balance, Vida en transformación y Vida en guerra respectivamente. La creación de la primera parte, Koyaanisqatsi, le tomó a Reggio cerca de siete años. Sin embargo, este tiempo está justificado en lo complicado que debió ser crear esas imágenes y en lo bellas y geniales que resultaron.
El time lapse[2], la cámara lenta y el montaje son parte de la propuesta estética de Reggio, que evidentemente busca lograr un efecto de perpetuo movimiento que retrate la agitada pero insignificante vida del hombre moderno.
En Koyaanisqatsi vemos la relación del hombre con la naturaleza. En el genial time lapse de la Luna desapareciendo detrás de un edificio, vemos cómo los artificios del hombre están superpuestos a la naturaleza: vemos que la humanidad no le tiene ningún respeto.
Las demoliciones, las explosiones y los escándalos en las calles simbolizan la decadencia de la humanidad y el hecho de que es necesario destruir para crear algo nuevo. Existe incluso una similitud entre las secuencias de las nubes y las cascadas con las explosiones, las formas que esas tomas en particular producen, parecen hablar al espectador en el mismo lenguaje. Sólo que el agua nos habla de vida, y, las explosiones, de todo lo contrario.
En general, todos estos elementos refuerzan el concepto de Koyaanisqatsi: la desabalanceada civilización y su frenético camino hacia la autodestrucción.
A continuación pongo un fragmento de Koyaanisqatsi que me parece engloba el concepto general de la película y ejemplifica perfectamente lo que es un time lapse:
[1] El canto que se escucha a lo largo de la película se traduce como: "If we dig precious things from the land, we will invite disaster. Near the Day of Purification, there will be cobwebs spun back and forth in the sky. A container of ashes might one day be thrown from the sky, which could burn the land and boil the oceans." La música corre a cargo de Philip Glass, reconocidísimo autor de música para cine.
[2] Concretamente, el time lapse es una técnica de filmación donde cada fotograma es tomado a una velocidad mucho más lenta a la del playback. Por ejemplo, un fotograma tomado cada treinta segundos en un cielo nublado. Si vemos la cinta a la velocidad normal, el movimiento de las nubes será mucho más rápido, dando un efecto de frenesí y majestuosidad.
Fuentes: Apuntes de Cultura Mediática http://www.imdb.com/name/nm0716585/ (Godfrey Reggio) http://www.imdb.com/title/tt0085809/ (Koyaanisqatsi)
Una pieza de surrealismo clásico (data de 1930) es "L'Âge d'Or", "la otra película" que realizó Luis Buñuel junto con Salvador Dalí. Además de estar fundamentada como obra de arte surrealista por sus mismos creadores, ya que ellos estuvieron entre los que dieron vida y forma al movimiento, L'Âge d'Or tiene claros elementos que nos remiten al mundo de los sueños y la búsqueda de la eliminación del consciente, lo inverosímil y el sinsentido. L'Âge d'Or
Un ejemplo reciente de cine con influencia surrealista es la aclamada cinta de Michel Gondry, "Eternal sunshine of the spotless mind". Además de que el cineasta ha declarado que muchos de los elementos que aparecen en sus trabajos están basados en imágenes que ha soñado -clara referencia al surrealismo-, esta película propone algo que quizás se autodescriba como el núcleo de la tendencia artística: un hombre que intenta rescatar sus recuerdos mientras sueña experimenta cosas más allá de la realidad. El simple hecho de que estas ideas estén plasmadas en un filme la convierte en una pieza con influencia surrealista.
Otra cinta relacionada con el surrealismo es la famosísima "El Topo" de Alejandro Jodorowsky. Película de culto, tiene elementos relacionados con las profundas aberraciones y la desinhibición característica del surrealismo.
""EL TOPO" is an extraordinary movie! A phantasmagoric allegory of Western civilization. The film is superior for Jodorowsky's impulse to satire and surrealism entertains while it slakes the popular thirst for blood" - Paul D. Zimmerman, Newsweek.
Por último, quisiera regresar al genial Gondry para utilizar su penúltima película, "La science du rêve" como un ejemplo más de cine influido por el surrealismo. Cuando vemos a un sujeto que no puede distinguir entre sueño y realidad se sumerge en un mundo creado enteramente por su subconsciente, sabemos que estamos frente a un filme surrealista.
Un ejemplo que salta a la vista si se piensa en películas que mezclen géneros cinematográficos es Sin City, dirigida por Frank Miller y Robert Rodriguez. Pienso que esta película es principalmente del género cine negro por la presencia de detectives, femmes fatales, engaños, persecuciones automovilísticas y esa atmósfera tétrica que remite al cine expresionista alemán. También tiene elementos del melodrama, pues los conflictos de los personajes y sus relaciones son muy intensas y demuestran sentimientos desaforados.
Ya que mantiene la estética de la novela gráfica, se puede decir que Sin City está plagada también de elementos del cómic, y el uso tan selectivo pero adecuado que tiene del color no hace más que reforzar esta idea.
Otro ejemplo muy claro y reciente es el de "Sweeney Todd, the demon barber of Fleet Street", que mezcla el género musical con el melodrama y el terror. Las canciones en que se basa la película hacen obvia la mención del género musical, mientras que melodrama y terror se explican por el profundo deseo de venganza del protagonista y su transición a asesino serial. Encima de todo, me parece que la estética del genial Tim Burton tiene elementos de cine negro.
En la trilogía de Back to the Future también podemos encontrar varios géneros cinematográficos. Tomaré como ejemplo la tercera parte, que es obviamente un western, ya que se transportan al viejo oeste, ciencia ficción por el manejo del concepto del viaje en el tiempo y comedia por el evidente objetivo principal de la película: hacer reír.
Por último, quisiera mencionar la película que fui a ver apenas ayer, "Hors de Prix" (Enamórate de mí) de Pierre Salvadori. Las situaciones hilarantes de tensión cómica y las geniales interpretaciones la hacen evidentemente una comedia, al mismo tiempo que la relación romántica de los protagonistas le otorga la etiqueta de melodrama.
Desde un punto de vista estrictamente industrial, la pixilización es una técnica de animación similar al stop motion, explicado de manera bastante sencilla en mi otro blog. La diferencia fundamental entre pixilización y esta última técnica es que los sujetos de las secuencias son actores de carne y hueso y no objetos "inanimados". Consiste, básicamente, en tomar fotogramas individuales haciendo ligeros cambios en las posiciones de los actores entre capturas. De esta manera, se crea una ilusión de movimiento. Esto significa, no obstante, que los actores estarán creando la escena de un modo distinto al que lo harían en una filmación "convencional".
Quizás se debería tomar una postura más sensible e interpretativa para que quede claro que la pixilización es un lenguaje visual en sí mismo, una forma de movimiento diferente a la de la acción viva e incluso a la de los time lapses. Y es que es una técnica de hacer movimiento que se relaciona más con lo experimental, ya que abre un enorme abanico de posibilidades en filmación de secuencias y permite crear ilusiones extrañas fácilmente.
Un hermoso ejemplo de pixilización es este trabajo de Paul y Menno de Nooijer en colaboración con el coreógrafo Joost Vrouenraets.
En el ámbito de los videoclips también existen muchos trabajos de pixilización, como el de "The end of the world" de The Cure, en el que también se utiliza stop motion. Fue dirigido por Floria Sigismondi.
Otro videoclip en el que se utilizó esta técnica de manera magistral es el de "Time won't let me go", de The Bravery.
Por último, un pequeño ejemplo de pixilización creado por mí:
La documentalista alemana tuvo una gran importancia por sus aportaciones tanto al deporte como a la cinematografía. Bailarina, deportista, fotógrafa, actriz, productora, directora y hasta buzo profesional, Helene Berta Amalie Riefenstahl hizo historia.
Su primera gran aportación al cine fue en 1935 y se llamó "Triumph des Willens", o "El triunfo de la voluntad", y relataba el inicio del 3er Reich. Cuando terminó la guerra, esta obra fue condenada y juzgada no como obra de arte, sino como propaganda nazi, lo cual afectó gravemente su carrera.
Leni destacó también como fotógrafa, en particular por sus reportajes de los nuba, y fue famosa por tomar un curso de buceo a la edad de 71 años para convertirse en fotógrafa subacuática.
En lo que al deporte se refiere, Leni dirigió "Olympia", film de 1938 en el que utilizó nada menos que 300 cámaras y 400'000 metros de película para retratar los juegos olímpicos. Aquí realizó una importantísima aportación a la fotografía deportiva moderna, pues fue la primera en utilizar técnicas como grúas y rieles que seguían el camino de los atletas. Cabe mencionar que gracias a este trabajo y su distribución se rompió el estereotipo de la superioridad aria, ya que en muchas de las competencias eran vencidos.
La publicidad y el deporte son uña y mugre; tronco y hongo. Basta sintonizar cualquier partido de la liga mexicana para darse cuenta que ni las calcetas de los jugadores se salvan de anunciar algo. En otras ligas, como las europeas, la publicidad no es tan atiborrante, pues se limita a un anuncio en la parte frontal del jersey.
México
Inglaterra
Esto en cuanto al patrocinio dentro de los uniformes, pero ¿qué pasa cuando son las marcas que los fabrican las que se hacen publicidad?
Sin duda, las campañas publicitarias de marcas de ropa deportiva más famosas son las de Nike. Desde el ya legendario spot donde vemos a jugadores como Cantona, Maldini y Jorge Campos combatir a una selección de seres infernales en el coliseo (Good VS Evil), a la conmovedora campaña de joga bonito, que causó furor y dio la vuelta al mundo por mucho tiempo, Es curioso el caso de joga, pues incluso permitía la participación de los aficionados de todo el planeta en la genial "Chain".
Good VS Evil
Joga Bonito
The Mission
Obviamente, el fenómeno de la publicidad deportiva no es exclusivo del fútbol. Aquí un ejemplo del uniforme del piloto Fernando Alonso:
Por supuesto, los mismos coches también sirven de espectaculares: Las figuras deportivas también lucran lanzando productos, como es el caso de la tenista Maria Sharapova...
...y, si no, también pueden tener a bien aparecer en comerciales para productos no inspirados en sus personas, como David Beckham y Rafa Márquez en los comerciales de la famosa navaja de afeitar.
Con todos estos ejemplos se vuelve evidente que deportes, medios y publicidad hacen una triple mancuerna que se convierte en la gigantesca industria deportiva que hoy llega al último rincón del planeta.
En lo personal, estoy de acuerdo con que exista publicidad dentro del deporte, pero muchas veces exageran. Creo que la gente de esta industria debería de concentrarse más en la pasión deportiva y menos en la remuneración que se puede obtener al tener ese alcance impresionante.
"La tarde del 2 de octubre de 1968, cuando la ciudad guardaba un sospechoso silencio, miles de estudiantes salieron a la calle a protestar contra el autoritarismo gubernamental, que se hacía presente en persecuciones,
secuestros, torturas y asesinatos contra quienes le mostraban públicamente su rechazo, el régimen respondió enviando al ejército y toda su estructura policiaca a reprimir y asesinar a quienes osaron manifestarle su repudio.(1)"
El movimiento estudiantil del '68 tuvo un gran impacto en la sociedad mexicana, pues significó un violento choque entre la juventud y el gobierno. La entrada de cuerpos militares a La plaza de las Tres Culturas, mandada por el entonces Presidente Gustavo Díaz Ordaz, cobró 300 víctimas y un número indeterminado de desaparecidos.
Considerado el capítulo más oscuro de la historia reciente del país, este acontecimiento fue brutalmente encubierto. Los periodistas trataron de revelar lo que había sucedido, pero no conocían la totalidad de los hechos y fueron ambiguos en sus reportes.
Todo esto sucedió al marco de las Olimpiadas, que fueron el motivo que detonó esta tragedia y la principal razón para hacerla menos. Se dice que, al siguiente día, fue como si no hubiera pasado nada, y, efectivamente, el 12 de octubre, a 10 días de la violenta represión, se inauguraron los juegos olímpicos... donde Díaz Ordaz fue fervientemente aplaudido.
En el 2009 se estrenará el film de Alfonso Cuarón titulado "México 68", un drama basado en esta historia real de represión y muerte. De manera que la política, la sociedad, los deportes y la cinematografía se unirán para representar una realidad mexicana, poniendo en evidencia que los medios se alimentan constantemente unos de otros y sirven un fin social.
Imágenes Reportaje de TV Azteca
Comercial de Cloralex, "producto seleccionado para la limpieza de las instalaciones deportivas".
En este blog se habla acerca de la radio. En este caso voy a hablar de un artículo que toca el tema del duopolio televisivo que existe en México y la famosa "Ley Televisa", que afecta a todos los medios en nuestro país.
Lo que encuentro más alarmante del artículo, es la verdad tan cruda que sostiene: Televisa y TV Azteca no sólo tienen un control de los presupuestos de publicidad, sino que también determinan lo que vale la pena y lo que no, moldeando así los gustos del público a su conveniencia.
A esto se suma el control que tienen en la radio grupos como Radiorama (16.27%), Acir (13.43%) y Radio Centro (8%). Esta desigualdad choca con el derecho democrático a la información. Y es que la falta de puntos de vista alternativos provoca una sociedad desinformada, incapaz de tomar decisiones políticas correctas.
Los medios son importantísimos en el desarrollo de la democracia, y pienso que con estas irregularidades contribuyen a que no exista un ambiente informativo que apunte hacia la objetividad. Se deberían hacer más esfuerzos por regular el poder de las televisoras y las radiodifusoras en México para crear este ambiente, tal vez imitando el paradigma estadounidense: que ninguna cadena de televisión abierta pueda tener más del 35% de los televidentes, y que las cableras no puedan tener más del 30% de los suscriptores.
Entiendo que está difícil bajar a Televisa y TV Azteca de este duopolio que tanto perjudica la opinión pública, y esto tiene también que ver con el público mismo, que no exige mejores contenidos y no tiene un criterio para cuestionar la información. Sin embargo, creo que esta reforma tiene que empezar desde arriba, pues el sistema educativo mexicano tiene fallas sistemáticas más profundas que convierten al televidente y al radioescucha en simples peones en un interminable juego de intereses económicos.
La primera pista del disco "Elephant" es, en mi opinión, el himno de la década. Un riff repetitivo, un ambiente algo hostil y decadente, minimalismo hasta el último rincón... son características que, a mi parecer, representan a la primera década del siglo veintiuno: una sociedad en declive económico, guerras, terror, crisis ambiental... pero sobre todo, un franco retraimiento: el sufrimiento, la desconfianza absoluta, que, resumida en tres palabras, lee: Seven Nation Army.
Comparar esta canción con la ya distante "Blue Suede Shoes" de rockabilly, se vuelve un tanto complicado. La temática es menos cruda y el sonido es más alegre y "movido". Sin embargo, ambas canciones tienen elementos del blues y pertenecen al Rock and Roll. Clic aquí para ver un videoclip de "Blue Suede Shoes".
"My Generation" de The Who se asemeja más a Seven Nation Army en su temática más desafiante y un sonido más pesado. Sin embargo, la canción de The White Stripes no busca un dominio sonoro, sino que se empeñan en mostrarse simples y minimalistas. Creo que este rasgo también es característico de esta década. Clic aquí para ver una presentación de The Who con "My Generation".
En conclusión, creo que lo que hace diferente a Seven Nation Army de los otros dos himnos es lo mismo que la convierte en una canción icónica de la década: su sonido sencillo, sin pretensiones pero desafiante y la decadente temática, siempre al borde de la paranoia.
Videoclip - Seven Nation Army Dirigido por Alex Courtes y Martin Fougerol
Lyrics I'm gonna fight 'em all A seven nation army couldn't hold me back They're gonna rip it off Taking their time right behind my back
And I'm talking to myself at night Because I can't forget Back and forth through my mind Behind a cigarette And the message coming from my eyes Says leave it alone
Don't want to hear about it Every single one's got a story to tell Everyone knows about it From the Queen of England to the hounds of hell
And if I catch it coming back my way I'm gonna serve it to you And that ain't what you want to hear But thats what I'll do And the feeling coming from my bones Says find a home
I'm going to Wichita Far from this opera for evermore I'm gonna work the straw Make the sweat drip out of every pore And I'm bleeding, and I'm bleeding, and I'm bleeding Right before the lord All the words are gonna bleed from me And I will sing no more And the stains coming from my blood Tell me go back home
El baterista de Garbage y productor de bandas como Sonic Youth, Nirvana, Smashing Pumpkins, AFI y Jimmy Eat World cambió la forma de hacer y escuchar rock a partir de los noventas. Responsable del sonido cristalino y profundo del Siamese Dream, entre otros, Vig ha sabido llevar a bandas de rock al mainstream, como hizo con el Nevermind, mencionado en el post anterior.
No creo que ningún intérprete o grupo de los noventas haya tenido un impacto como el de Elvis Presley o The Beatles en su tiempo. Sin embargo, en esta década tuvo lugar el auge del grunge. El éxito de bandas como Alice in Chains y Pearl Jam y la forma en que representaron a la llamada "Generación X" tuvo una gran importancia en la escena musical y social.
Sin embargo, alguien debía reinar este género, y creo que fue Nirvana con la grandiosa "Smells like teen spirit", sencillo del icónico Nevermind, la que abrió paso a todo lo que sucedería en los noventas y se consolidó como el himno de la juventud.
A Clockwork Orange (1971) Stanley Kubrick Esta obra maestra me parece una de las producciones setenteras más representativas, pues utiliza varios recursos cinematográficos para crear una estética muy especial. La música juega un papel muy importante y es una de las muchas razones por las cuales este film fue tan importante para el cine actual. ver Trailer
Taxi Driver (1976) Martin Scorsese En una ciudad llena de corrupción, el violento veterano Travis Bickle (Robert de Niro) se convierte en un taxista. Ronda las calles por la noche ya que sufre de insomnio, y conoce a una joven prostituta cuya vida quiere salvar. Autor de la famosísima frase "You talkin' to me?", este personaje es prácticamente un héroe de la modernidad. Una grandiosa película que muestra un mundo crudo e inhóspito donde sólo con medidas drásticas se puede hacer una diferencia.
Saturday Night Fever (1977) John Badham Esta película causó una gran sensación y fue representativa del movimiento disco que puso al mundo a bailar de nuevo. La cinta que llevó a John Travolta a la fama tiene que ser de las más representativas de la década, pues su figura y sus increíbles pasos de baile son hoy un ícono de lo que fue el disco.
80's Pink Floyd The Wall (1982) Alan Parker Dentro del concepto de The Wall desarrollado por Pink Floyd en 1979 surgió este gran film. La música, el arte y la fuerte problemática de un joven músico adicto a las drogas son un par de características de esta gran cinta que representó a una generación.
Back to the Future (1985) Robert Zemeckis La multipremiada cinta del viajero en el tiempo, Marty McFly (Michael J. Fox), es sin duda una de las películas más divertidas de la historia... y fue la más taquillera del año. Llena de referencias interesantes, la trilogía de Back to the Future es "la novena franquicia cinematográfica de todos los tiempos" (IGN, 2006).
Batman (1989) Tim Burton Uno de los héroes del cómic más importantes, Batman tiene una dramática historia cuya versión cinematográfica fue exitosísima. Tras presenciar el asesinato de sus padres, Bruce Wayne (Michael Keaton) decide convertirse en un justiciero. Bajo la batuta del genial Tim Burton y Jack Nicholson en el papel del Guasón, Batman es una de las mejores adaptaciones del tebeo a la pantalla grande.
90's Forrest Gump (1994) Robert Zemeckis Ganadora de seis estatuillas Óscar, este film cuenta la historia de un hombre que cuenta su historia sentado en la parada del autobús. De algún modo, se vio envuelto en muchos eventos históricos de los Estados Unidos. Forrest es un conmovedor ejemplo de caridad y valor cuya priorida en la vida es estar con Jenny, el amor de su vida. Cursi, seguro lo es, pero brillante y cómica, también.
Titanic (1997) James Cameron Ésta ganó nada menos que once Óscares y fue la primera película en tener un presupuesto de 200 millones de dólares. Una épica historia de amor que estuvo en boca de todo el mundo meses y meses después de su estreno.
The Matrix (1999) Andy & Larry Wachowski Efectos especiales apantallantes, una teoría filosófica llena de referencias y una historia de proporciones "bíblicas" son sólo unas cuántas características de la deliciosa Matrix. Una película de la que se puede hablar por horas y horas, ahondando en los temas que se esconden entre las páginas de su guión. Sin lugar a dudas, una exquisitez que se vuelve más rica y reflexiva cada vez que uno la vuelve a ver.
Aunque hay una diferencia de más de una década entre estos dos films, es verdad que existen similitudes interesantes en los personajes y la problemática desarrollada.
Elvis Presley, en el papel de Vince Everett, es el arquetipo del rebelde con pocos modales, el chico malo que vuelve locas a las mujeres. En el aspecto musical representa algo nuevo, escandaloso para los conservadores y fascinante para los jóvenes. En ese sentido, Everett (o Presley) no es tan distante de Peter Fonda (Wyatt) o Dennis Hopper (Billy) en Easy Rider, ya que ellos también son rebeldes, motocicletos a la deriva que utilizan estupefacientes y provocan fuertes reacciones en la gente de los pueblos pequeños de Estados Unidos.
Una posible diferencia entre Everett y los bikers Wyatt y Billy podría encontrarse en el desenlace de sus respectivas historias: mientras que el músico tiene un final feliz y obtiene la admiración del público, los motocicletos no llegan a ver la época donde su estilo de vida es aceptado.
Aquí entra la cuestión de la problemática que ambas cintas desarrollan: hay un mundo, anticuado y aburrido que está a la espera de cambios dramáticos. Por un lado, está "lo viejo", que en el caso de Jailhouse Rock se representa con Hunk Houghton (Mickey Shaugnessy), el hillbilly cuyo estilo se quedó en un country meloso que no apelaba a las jóvenes masas, hambrientas de algo más dinámico. Por otro lado asoman estos personajes revolucionarios, cuya innovadora visión del mundo propone desde nuevas modas hasta estilos de vida impensables en la época.
En muchos sentidos, Easy Rider es más audaz que Jailhouse Rock, como por ejemplo en la narrativa, la fotografía y el contenido "adulto" (sexo y drogas). Sin embargo, si se considera que estas películas fueron estrenadas con doce años de separación, se hace obvio que comenzaron a existir en contextos muy diferentes y ambas tuvieron un impacto importante.
Cabe mencionar que la fotografía en Easy Rider corrió a cargo de Lázsló Kovács, artista húngaro que retrató hermosas imágenes del paisaje estadounidense para este film. Por otro lado, la actuación de Jack Nicholson añade ese elemento cómico, además de que nos da el gusto de verlo en un papel ligero donde explora los dos estilos de vida arriba descritos.
Rara vez se topa uno con una comedia que además de cruda sea dulce, que tenga personajes jóvenes e inexpertos pero inteligentes y que sea a la vez complicada y refrescante. Juno es todas esas cosas, y otras cuántas más. Considerado el indie film del año, Juno cuenta con un reparto exquisito que dio el tono perfecto para el mordaz guión de Diablo Cody, la famosa ex-stripper bloguera. Bajo la batuta de Jason Reitman (Thank you for smoking) se encuentran los nombres de Jason Bateman y Michael Cera (juntos en Arrested Development), Jennifer Garner y, por supuesto, el de una genial Ellen Page en el papel protagónico.
Sinopsis Juno McGuff (Page) es una adolescente que, a pesar de su madurez y autosuficiencia, queda embarazada de su mejor amigo, Paulie Bleeker (Cera), en un primer -y último- encuentro sexual. Con la ayuda de Leah (Olivia Thirlby), una amiga obsesionada con los hombres mayores, Juno deberá decidir qué hacer con el bebé al mismo tiempo que tendrá que lidiar con su padre (J.K. Simmons) y su madrastra, una familia aparentemente ideal y las miradas juiciosas de cientos de compañeros de escuela.
Su debilidad radica en el hecho de que como son hermanos y nunca tienen el valor de eliminar al otro por completo, por más que lo tengan a sus pies. Mientras La Gallina Ciega siembra el pánico en la Ciudad de México, El Hombre Escarabajo defiende a la población y aminora los daños. Y a pesar de que uno frustra los deseos del otro, se hieren violentamente y se odian profundamente, nunca logran eliminarse por completo.
